Benvenuti alla serie di eventi "Arte e cultura a Zajadacz".
Cosa c'entra un grossista di materiale elettrico come Zajadacz con l'arte e la cultura?
La risposta è semplice: la cultura mette in contatto le persone ed è proprio questo che vogliamo far emergere con il nostro variegato programma. Creiamo regolarmente momenti speciali per i nostri dipendenti e per gli interessati: che si tratti di mostre d'arte ispirate, di serate cinematografiche emozionanti o di concerti coinvolgenti, ogni evento invita a scoprire, divertirsi e scambiare idee insieme. A seconda dell'evento, vi invitiamo a partecipare.
Per ulteriori informazioni, consultate le nostre riviste. Ecco i nostri precedenti eventi di spicco!
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06
2026
Mostra di Christiane Leptien
"Con lo sguardo rivolto alle persone"
Il tema centrale della riflessione creativa di Christiane Leptien sul mondo è l’uomo. Ciò si riflette in modo suggestivo nella sua attuale mostra presso Zajadacz, intitolata “Den Menschen im Blick”.
Lei stessa afferma:
Sono i volti che mi affascinano, le emozioni che mi toccano nel profondo, istantanee, la perfetta imperfezione di un attimo. Alla ricerca di qualcosa di vero, di autentico, dipingo spesso frammenti di momenti vicini, ingrandisco il dettaglio, mostro solo i particolari. Le immagini diventano abbracci visivi.
Ogni quadro di Christiane Leptien esposto nella mostra è realizzato con colori acrilici su tela. Alcune delle sue opere risalgono al 2014, mentre altre sono state realizzate quest’anno.
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Christiane Leptien (*1964 ad Amburgo)
Christiane Leptien è una terapeuta della Gestalt e un’artista. Oltre a gestire un proprio atelier a Geesthacht, dagli inizi degli anni ’90 partecipa a diverse mostre e progetti, sia a livello nazionale che internazionale, in Francia e in Ungheria. Dal 1993 espone inoltre le sue opere in mostre personali in tutta la Germania, da ultimo al castello di Reinbek e al castello di Bergedorf.
Nel 2022 ha partecipato al progetto “Perspektivwechsel” (Cambio di prospettiva), che ha lanciato un messaggio contro l’odio e la violenza ed è stato esposto presso il memoriale del campo di concentramento di Ahrensbök. Il progetto è stato candidato al Premio per la pace Olof Palme 2023. Un altro progetto degno di nota, di cui ha assunto la direzione, si è svolto dal 2022 al 2025 con il titolo «Dipingere per chi ha vissuto l’esperienza della fuga» ed è stato insignito nel 2024 del premio di incoraggiamento della Fondazione del Ducato di Lauenburg.
Oltre ai progetti nelle scuole, Christiane Leptien ha lavorato per quattro anni come arteterapeuta in una struttura di assistenza.
Sabato 18 aprile, oltre 120 ospiti hanno potuto godersi un programma variegato, con esibizioni che hanno fatto sorridere e riflettere. Oltre all’esibizione di una giovane musicista e di un noto comico, due artiste di successo e di grande eloquenza hanno recitato i loro testi di poesia.
. La risposta che abbiamo ricevuto ci ha fatto molto piacere. Anche i visitatori esterni sono rimasti entusiasti dell'evento.
Ringraziamo tutti gli ospiti per la numerosa partecipazione, per le risate condivise e per il fantastico scambio di idee.
Un enorme grazie va al team della logistica, che sabato ha dato una mano con i preparativi e senza il quale la serata non sarebbe stata possibile.
Nell'ambito della mostra collettiva "Lebensraum" di Lori Sommere Jonna Tuchtfeldt, nel marzo 2026 abbiamo già organizzato il secondo vernissage nella nostra sede centrale.
I due studiano illustrazione alla HAW di Amburgo e hanno inaugurato la loro mostra con questo vernissage alla presenza dei loro familiari, amici e dei collaboratori di Zajadacz.
Una mostra collettiva con Lori Sommer e Jonna Tuchtfeldt.
La mostra «Lebensraum» presenta una serie di opere realizzate a mano e dipinte con pigmenti, ispirate alle forme vegetali, alle superfici, ai movimenti e alle transizioni presenti in natura. Caratterizzata dall’attenzione ai dettagli delle artiste, la natura non è per loro solo un soggetto, ma rappresenta un habitat complesso in cui l’uomo è parte integrante.
Attraverso il processo artistico, intendono rendere visibile questo legame. Una foglia, un insetto o un paesaggio diventano il punto di partenza per un’analisi più approfondita dell’ambiente che ci circonda. Sebbene le nostre opere abbiano stili diversi, condividiamo un interesse comune. La prospettiva personale e l’espressione artistica possono coesistere.
Il suo lavoro è volutamente analogico. Il contatto diretto tra mano, carta e materiale è una parte fondamentale del suo processo creativo. Ogni tratto rimane visibile e mostra come prende forma un disegno o un dipinto. Questo modo di lavorare le permette di avvicinarsi gradualmente ai suoi soggetti e lascia spazio all’osservazione.
Questa mostra è il risultato di un lavoro congiunto. Presenta due approcci artistici che sono nati da un fascino comune per la natura e gli habitat. Le opere delle due artiste invitano a osservare più da vicino e a percepire con maggiore consapevolezza la diversità dell'ambiente circostante.
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Jonna Tuchtfeldt (lei) (2004)
Jonna Tuchtsfeldt studia illustrazione ad Amburgo. Dopo due semestri di design della comunicazione, ha deciso di cambiare corso di studi perché le mancava il lavoro analogico e in libertà. Dal 2025 studia illustrazione alla HAW di Amburgo. Parallelamente agli studi, sta acquisendo esperienza pratica come grafica in agenzie pubblicitarie e lavora come artista e designer freelance.
Una mostra collettiva con Lori Sommer e Jonna Tuchtfeldt.
La mostra «Lebensraum» presenta una serie di opere realizzate a mano e dipinte con pigmenti, ispirate alle forme vegetali, alle superfici, ai movimenti e alle transizioni presenti in natura. Caratterizzata dall’attenzione ai dettagli delle artiste, la natura non è per loro solo un soggetto, ma rappresenta un habitat complesso in cui l’uomo è parte integrante.
Attraverso il processo artistico, intendono rendere visibile questo legame. Una foglia, un insetto o un paesaggio diventano il punto di partenza per un’analisi più approfondita dell’ambiente che ci circonda. Sebbene le nostre opere abbiano stili diversi, condividiamo un interesse comune. La prospettiva personale e l’espressione artistica possono coesistere.
Il suo lavoro è volutamente analogico. Il contatto diretto tra mano, carta e materiale è una parte fondamentale del suo processo creativo. Ogni tratto rimane visibile e mostra come prende forma un disegno o un dipinto. Questo modo di lavorare le permette di avvicinarsi gradualmente ai suoi soggetti e lascia spazio all’osservazione.
Questa mostra è il risultato di un lavoro congiunto. Presenta due approcci artistici che sono nati da un fascino comune per la natura e gli habitat. Le opere delle due artiste invitano a osservare più da vicino e a percepire con maggiore consapevolezza la diversità dell'ambiente circostante.
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Lori Sommer (lei/loro) (2004)
Lori Sommer è nata a Berlino nel 2004 e attualmente studia illustrazione alla HAW di Amburgo. In precedenza ha trascorso un semestre in Danimarca, dove si è dedicata a diverse tecniche artistiche e ha affinato la sua pratica del disegno. Prima di iniziare gli studi, ha imparato a Berlino la tecnica del tatuaggio, che ha influenzato il suo occhio per il tratto, la precisione e le tracce visive permanenti. Inoltre, per diversi anni ha tenuto workshop per bambini e adulti al Malsalon di Berlino, dove ha acquisito esperienza nella mediazione artistica. Oltre ad altre mostre collettive in Danimarca e a Berlino, ha recentemente esposto i suoi lavori a Berlino presso la Galleria Rosa Lux.
Per Lori, disegnare con carta e matita è una forma espressiva fondamentale, anche se le piace lavorare anche con la tempera e l’acquerello. L’uso diretto di materiali analogici le permette di dare forma a pensieri e osservazioni. Per lei, disegnare è anche un processo personale di confronto con se stessa e con ciò che la circonda. Nei suoi lavori si occupa della questione centrale di quale posto occupi l'uomo nella natura e di cosa sia fatto. Secondo lei, il fatto che l'uomo sia parte della natura viene percepito troppo poco. L'uomo viene troppo spesso considerato separato dalla natura. Con la sua arte, lei vorrebbe ripristinare questa percezione.
Che cosa significa sostenibilità - per le aziende, per la nostra società, per ognuno di noi?
I 17 Obiettivi di Sviluppo Sostenibile (SDGs) delle Nazioni Unite forniscono risposte, ma sollevano anche molte domande.
In un laboratorio artistico creativo, i dipendenti di Zajadacz provenienti da diversi contesti professionali e personali hanno esplorato in modo creativo 10 obiettivi ONU selezionati.
I lavori che ne derivano sono diversi come i temi stessi: Mostrano approcci personali e responsabilità aziendale. Astratte o concrete, critiche o piene di speranza.
In un workshop di 3 ore sulla musica AI, abbiamo scoperto l'affascinante mondo dell'intelligenza artificiale nella produzione musicale.
Insieme ci siamo immersi nelle possibilità di come l'intelligenza artificiale possa ripensare il suono, il ritmo e la melodia!
Sotto la guida di esperti di musica AI, abbiamo sperimentato gli strumenti AI per comporre i nostri brani musicali. Che si tratti di rock, elettronica o classica, sono state create le nostre colonne sonore personali!
Tutto ciò che dovevamo portare era la curiosità, un orecchio aperto e il desiderio di sperimentare con il suono.
Una mostra congiunta con Julia Huber e Johanna Beyer.
Draußen Sein presenta una serie di opere illustrative realizzate attraverso la pittura e varie tecniche di stampa come la litografia, l'acquaforte e la risografia. A livello individuale, i tre artisti affrontano lo spazio della natura e raccontano prospettive molto personali nella loro mostra.
Le opere combinano rappresentazioni di persone e natura, nonché la natura in un contesto libero e associativo. L'attenzione è rivolta a sperimentare, creare e catturare stati d'animo.
La mostra invita a immergersi nella sensazione di stare all'aperto e a scoprirla da tre prospettive individuali.
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Marie Becker (lei/lui) (*1998)
studia illustrazione per il suo Master. Dopo aver conseguito il Bachelor of Arts in Communication Design presso l'Università di Scienze Applicate e Arti di Hannover, si è trasferita alla HAW di Amburgo. Durante gli studi ha frequentato scuole d'arte a Birmingham e Bologna. Dal 2023 lavora come designer della comunicazione.
Una mostra congiunta con Johanna Beyer e Marie Becker.
Draußen Sein presenta una serie di opere illustrative realizzate attraverso la pittura e varie tecniche di stampa come la litografia, l'acquaforte e la risografia. A livello individuale, i tre artisti affrontano lo spazio della natura e raccontano prospettive molto personali nella loro mostra.
Le opere combinano rappresentazioni di persone e natura, nonché la natura in un contesto libero e associativo. L'attenzione è rivolta a sperimentare, creare e catturare stati d'animo.
La mostra invita a immergersi nella sensazione di stare all'aperto e a scoprirla da tre prospettive individuali.
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Julia Huber (lei/lui) (*1997)
studia illustrazione ad Amburgo. Dopo aver completato la formazione statale come pittrice di porcellana presso la Königliche Porzellanmanufaktur Nymphenburg di Monaco, nel 2021 ha iniziato a studiare design della comunicazione a Monaco. Nel 2023 si trasferisce alla HAW di Amburgo per studiare illustrazione. Durante il periodo trascorso a Monaco, ha lavorato come tatuatrice e illustratrice freelance in uno studio d'artista condiviso presso il Bahnwärter Thiel, grazie a una borsa di studio. Dal 2024 lavora anche come graphic designer.
Una mostra congiunta con Marie Becker e Julia Huber.
Draußen Sein presenta una serie di opere illustrative realizzate attraverso la pittura e varie tecniche di stampa come la litografia, l'acquaforte e la risografia. A livello individuale, i tre artisti affrontano lo spazio della natura e raccontano prospettive molto personali nella loro mostra.
Le opere combinano rappresentazioni di persone e natura, nonché la natura in un contesto libero e associativo. L'attenzione è rivolta a sperimentare, creare e catturare stati d'animo.
La mostra invita a immergersi nella sensazione di stare all'aperto e a scoprirla da tre prospettive individuali.
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Johanna Beyer (lei/lui) (*1998)
sta studiando per un Master in Illustrazione presso l'Università di Scienze Applicate di Amburgo (HAW), dove ha precedentemente conseguito la laurea triennale nella stessa materia. Le sue opere sono realizzate principalmente in digitale e spaziano stilisticamente tra approcci pittorici e grafici. Il tema centrale delle sue illustrazioni è la natura. Parallelamente ai suoi studi, lavora con passione come illustratrice freelance e docente di arte per bambini.
Il fotografo Moritz Peters ha fatto di Zajadacz e dei dipendenti di Neu Wulmstorf il soggetto di un'osservazione artistica.
In questa mostra, il lavoro degli abitanti di Zajadacz viene rappresentato artisticamente. La vista esterna apre nuove prospettive, il familiare appare sotto una nuova luce: la vita quotidiana diventa arte.
Moritz Peters è un fotografo di Hannover. Moritz ha studiato fotogiornalismo e fotografia documentaria presso l'Università di Scienze Applicate e Arti di Hannover e lavora come fotografo freelance. È specializzato in documentari aziendali, reportage di viaggio e ritratti, ma ama anche incorporare approcci sperimentali nel suo lavoro.
Daniela Schulte non è solo un'artista, ma anche un'appassionata surfista. Il mare è il suo personale punto di riferimento e fonte di ispirazione. Il movimento delle onde, l'infinita distesa dell'oceano e la potente tranquillità della natura si riflettono dinamicamente nelle sue vivaci opere.
Oltre alla sua attività di artista astratta, viene spesso consultata nel campo dell'interior design. Come artista, vede una stretta connessione tra arte e spazi. Picasso disse una volta che "l'arte lava la polvere della vita quotidiana dall'anima". Daniela Schulte segue questo credo e nelle sue opere si concentra sul completamento di una stanza e sul darle qualcosa di unico.
Il suo stile artistico è caratterizzato da un modo vivace, dalla passione per la sperimentazione e dalla capacità di combinare esteticamente colori, materiali e tecniche diverse. Con le sue opere esprime qualcosa in modo sottile, crea ambiguità e dà energia agli spazi.
Il mondo può essere superficiale, Maria si concentra sui dettagli. Citazione: "Dipingo ciò che tutti noi siamo, ma che non potremmo mai descrivere completamente a parole".
Con la combinazione di colori acrilici, inchiostro e vernice spray, le opere di Maria sono caratterizzate da fluide tonalità di blu e da un gioco minimalista con elementi organici. Dipinge di tutto, da container e tele a pianoforti, che l'artista di Amburgo considera un complemento adatto ai suoi colori.
Attraverso l'arte, Maria ha sviluppato un interesse per la psicoanalisi e per il movimento artistico del surrealismo, strettamente interconnesso. Presenta le sue opere come un "amorevole contrasto" con questo. Dal 2023, l'artista studia anche psicologia ed è convinta che entrambi i campi prosperino grazie alla loro stimolante interazione. Oggi Maria combina la pittura freelance con la scienza.
Nell'ambito della mostra congiunta "Creative Minded - A Vibrant Future" di Niklas Stadler e Anton Deyß abbiamo organizzato il primo vernissage presso la nostra sede aziendale nel febbraio 2024.
Entrambi studiano chitarra jazz e ci hanno mostrato tutte le loro abilità con un brano ciascuno. Veramente grandi.
Hanno partecipato i dipendenti di Zajadacz, gli amici e i familiari dei due giovani artisti e la comunità di Neu Wulmstorf.
Nel suo lavoro fotografico, Anton si concentra principalmente sui punti di vista e sulle emozioni delle persone e di ciò che le circonda. Che si tratti di paesaggi, ritratti o fotografia di strada, il suo obiettivo è creare un'immagine del momento.
Anton Deyß è un musicista e fotografo di Amburgo. Nato nel 2003, Anton Deyß è cresciuto a Wentorf, un sobborgo di Amburgo, e ha iniziato a suonare la chitarra all'età di sette anni. In gioventù ha sviluppato un amore crescente per la fotografia e da allora si è dedicato sia alla musica che alla fotografia. Dopo il diploma di scuola superiore, ha trascorso un anno a Berlino per prepararsi all'università. Dall'estate del 2022 vive e lavora nuovamente ad Amburgo.
Nel suo lavoro fotografico, si concentra principalmente sui punti di vista e sulle emozioni delle persone e di ciò che le circonda. Che si tratti di paesaggio, ritratto o fotografia di strada, il suo obiettivo è creare un'immagine del momento. Usa la sua macchina fotografica per documentare e curare l'ambiente che lo circonda. Quasi tutte le sue foto sono lavori commissionati per i rispettivi artisti.
Niklas Stadler è un musicista e fotografo di Amburgo. Il fascino di Niklas Stadler per la fotografia è iniziato nella prima giovinezza durante un viaggio in macchina. Ha viaggiato attraverso il Marocco, l'Italia e la Corsica con gli amici. All'inizio, l'obiettivo era quello di catturare momenti speciali. Tuttavia, la fotografia è diventata presto una passione e una compagna costante. Con la musica come casa artistica, la fotografia gli ha offerto nuove possibilità di sperimentazione. Quando la macchina fotografica dei genitori fu distrutta da un'onda inaspettata, il desiderio di averne una propria crebbe. Sarebbe diventata una compagna importante per gli anni a venire. Con il passare del tempo, è cresciuta l'idea di offrire ai colleghi studenti foto economiche ma di alta qualità per le loro apparizioni sui media. Immagini dal punto di vista di un musicista, con una passione per l'estetica e il minimalismo. L'offerta è stata subito ben accolta.
La JazzHall di Amburgo lo ha assunto come fotografo interno. Grandi della musica come Gilad Hekselman, John Clayton e Kurt Rosenwinkel hanno utilizzato le sue foto per gli annunci dei tour e per gli artwork.
"Devo dire che amo una manciata di cose: l'amore per i dettagli - l'amore per l'estetica - l'amore per le emozioni. A volte mi chiedo: quando una foto mi dà una sensazione di calma, di energia o di movimento? Con il tempo si scopre quasi tutto, ma ci vuole tempo". - Niklas Stadler
Una serata molto piacevole e divertente al cinema nel nostro centro logistico centrale di Neu Wulmstorf.
Abbiamo invitato +1 per la seconda volta, aprendo così nuovamente la nostra serie KuK all'esterno.
Nonostante si trattasse di un film a sorpresa, si sono registrate oltre 170 persone! Con il film Soulkitchen del 2009, l'umorismo amburghese non è mancato.
In 4 date di agosto e settembre 23 siamo stati - con Clara Lotta Dittmer- creativo.
Nella prima sessione abbiamo appreso la storia dell'arte e le tecniche pittoriche e abbiamo iniziato i primi tentativi di pittura con matita, carboncino e pennello.
Nei 3 appuntamenti successivi, le cose si sono fatte serie. A ciascuno di noi è stata consegnata una tela e una sezione di una foto panoramica di Amburgo. Il compito era quello di portare questa sezione di foto sulla tela per poter assemblare tutte e 10 le tele nell'immagine complessiva alla fine. Fiuuu! Ce l'abbiamo fatta. :)
Vadim Batz ha condiviso con noi una mostra speciale. La sua selezione di tappeti poliacrilici ha fatto parlare di sé in azienda.
Vadim Batz ha condiviso con noi una mostra speciale. La sua selezione di tappeti poliacrilici ha fatto parlare di sé in azienda.
Da attento osservatore della cultura influencer contemporanea, l'artista amburghese Vadim Batz si è subito reso conto che i tappeti intarsiati a mano possono essere molto più di un semplice hashtag su Instagram. Nato nel 1987 e cresciuto ad Astania, in Kazakistan, l'ambiente visivo di Vadim fonde cloni e copie di bootleg occidentali e della cultura televisiva, come i Power Rangers e le Tartarughe Ninja, con tappeti colorati, presenti in molte case post-sovietiche per isolare e decorare pareti e pavimenti.
2009 - 2014 Laurea in Pittura/Illustrazione, Università di Scienze Applicate di Amburgo con la Prof. Alexandra Kardinar
Jens Julich ha esposto con noi insieme a Vadim Batz. Ne è nata un'opera congiunta per Zajadacz, vedi "Eikon da alfa a delta" a destra. Abbiamo aggiunto quest'opera alla nostra collezione.
Jens Julich vive e lavora ad Amburgo.
Ha studiato dal 2009 al 2014 Bachelor of Arts in Pittura / Illustrazione presso l'Università di Scienze Applicate di Amburgo sotto la guida della prof.ssa Gabriele Basch.
Sanja Henning ha una formazione professionale nell'ambito dell'assistenza sanitaria terapeutica, che si riflette nella sua arte. Utilizza la sua pratica artistica per esaminare criticamente i temi della salute, della malattia e del dolore.
Una delle sue opere più importanti è una serie di disegni che trattano la logica nascosta del dolore. I disegni dell'artista sono caratterizzati da una particolare attenzione ai dettagli e all'intensità. Mostrano come il dolore possa essere spesso invisibile e indescrivibile e come sia difficile condividere le nostre esperienze con gli altri.
Clicca quiper leggere l'intervista a Sanja Henning.
Istruzione
dal 2021 Master presso la HfBK con Jorinde Voigt (specializzazione in pittura e disegno) e Università di Amburgo
2021 Laurea in Lettere presso la HfBK e l'Università di Amburgo
2014 - 2015 studio part-time dell'osteopatia presso lo SKOM (non ancora completato)
2008 - 2011 Formazione come fisioterapista presso l'Accademia medica MAH HH
Nato il 16 dicembre 1987 a Lüneburg, vive e lavora ad Amburgo.
"USCITA 2018"
Sanja Henning non è solo un'artista ma anche una fisioterapista. Nell'ambito del suo lavoro, si occupa di donne vittime di violenza sessuale. Era particolarmente interessata al modo in cui le donne ritrovano la loro strada nella vita dopo tali esperienze. Sulla base di molte conversazioni, si sono cristallizzati modelli ricorrenti nelle strategie di coping, che sono stati rappresentati sotto forma di raggruppamenti stereotipati su un arazzo.
Lavorando esclusivamente in bianco e nero, Kyle Egret è specializzato nella rappresentazione dell'improvvisazione e della struttura della musica nell'arte. Utilizza la musica come approccio generale e metodo di lavoro per tutto ciò che riguarda la sua arte.
Il suo lavoro comprende una varietà di opere visive e grafiche, ma anche opere figurative ridotte. Utilizza materiali diversi come carta, acrilico e tela.
Sul sito web di Kyle Egret sito web è possibile saperne di più sull'artista e sulle sue opere.
File interminabili di scaffali, tecnologie all'avanguardia e una costante volontà di innovazione caratterizzano i capannoni logistici. Sono il cuore dell'azienda e negli ultimi anni sono stati costantemente ampliati e modernizzati. Nell'autunno del 2022, tuttavia, il magazzino sarà disponibile per uno scopo completamente diverso: un concerto per i dipendenti e l'azienda.
Con i Sidewalk Strings, sei giovani musicisti conquistano un territorio sconosciuto per i concerti e presentano un mix moderno di pop, jazz e musica classica. Con violoncelli, viole e violini, i giovani musicisti rappresentano un suono tanto minimalista quanto corposo, che può essere ascoltato in ogni angolo degli scaffali anche senza amplificazione. Il folk nordico, il soul e il rock sono presenti nel repertorio, così come la "vera" musica classica. Un mix contemporaneo che funziona bene sia nei magazzini di Zajadacz sia sui palcoscenici più importanti del mondo.
La prima mostra all'aperto nella nostra sede aziendale ha aperto nuove prospettive. Durante i mesi estivi, una selezione di opere di giovani talenti emergenti è stata esposta nel parcheggio. In collaborazione con l'iniziativa no-profit Fotobus e.V., è stata effettuata una selezione tra oltre 100 lavori presentati da giovani studenti di fotografia.
Abbiamo esposto 14 foto con didascalie. Uno spaccato delle foto presentate, che mostra cosa muove i giovani talenti e come catturano artisticamente i temi nelle immagini. Maggiori informazioni su https://www.fotobus-society.com/.
Il mondo è diventato più complesso. Anche l'artista amburghese Kasia Kohl, che è alla ricerca di un significato in un mondo moderno e altamente tecnologico, si preoccupa di questo. Intuitivamente e con gesti aggressivi, Kasia sviluppa strutture pittoriche dalle quali vengono elaborati con cura elementi astratti, associativi o figurativi. L'insignificanza e la complessità del postmoderno sono motivi ricorrenti per la giovane artista, che percepisce il nostro tempo come "post-organico". In questo senso, l'essere umano si dissolve e scompare nell'insignificanza virtuale e tecnica.
Alcune delle sue opere sono state create in collaborazione con Söntke Campen.
Anaïs è nata a Marsiglia, è cresciuta in modo biculturale a Brema e sta studiando per una laurea in Illustrazione presso l'Università di Scienze Applicate HAW di Amburgo.
Anaïs raccoglie continuamente fotografie spontanee in un archivio digitale, cercando di catturare quel qualcosa che rende i momenti speciali.
Anaïs mescola influenze, toni e motivi provenienti dal sud della Francia, dall'isola di La Réunion, dalla California e dalla Germania settentrionale per creare studi di nostalgia e astrazione. Una miscela di approcci figurativi, astratti, pittorici e grafici racconta la storia del "je ne sais quoi" originale e invita a dare le proprie interpretazioni. Instagram:anais_m.perier
Durante la pandemia della corona, a volte non era possibile ascoltare dal vivo e a colori, ma nessuno voleva fare completamente a meno della musica. L'era dei concerti online è stata proclamata con accoglienti serate di concerti davanti allo schermo di casa, tra cui due volte a Zajadacz:
Il programma della Grammophon Jazzband per il 2021 è stato molto più tranquillo, ma non meno suggestivo. Il trio di Amburgo si dedica al lounge jazz rilassato. Felix Hoffmann al contrabbasso, Nicolas Börger al pianoforte e la voce di Nora Becker pongono accenti dettagliati tra gli stili del jazz, del soul e del pop.
Julius Schrank, nato a Bielefeld nel 1984, è fotografo, autore, socio di un'agenzia fotografica e fondatore di un'azienda dedicata alla comunicazione multimediale dei temi del clima e della sostenibilità. Dopo una formazione come graphic designer, Julius ha studiato fotografia documentaria presso l'Università di Scienze Applicate e Arti di Hannover dal 2007.
Nel 2010 si è trasferito nei Paesi Bassi, dove ha viaggiato in tutto il mondo per 7 anni come fotoreporter per il quotidiano "De Volkskrant" o nell'ambito di progetti personali. Il suo lavoro ha vinto il World Press Photo Award ed è stato pubblicato in numerose riviste come GEO, Stern, ZEIT e in un libro.
Oggi vive con la sua compagna ad Amburgo ed è padre di due bambini piccoli. Ulteriori informazioni:www.juliusschrank.com
Tamina-Florentine Zuch, nata a Stoccarda nel 1990, è fotografa, regista e occasionalmente scrittrice.
Laureata in fotogiornalismo e fotografia documentaria presso l'Università di Scienze Applicate e Arti di Hannover nel 2017, ama viaggiare in treno e si sente a casa ovunque, sia come un vero hobo su un treno attraverso l'America, sia con i nomadi che vagano nella steppa mongola o nelle stazioni ferroviarie dell'India. Il lavoro di Tamina è esposto in tutto il mondo ed è stato premiato, tra gli altri, con lo Zeiss Photography Award. Oltre alle pubblicazioni su riviste come GEO, Walden, NZZ e ZEIT, ha anche pubblicato un libro su uno dei suoi viaggi in treno attraverso gli Stati Uniti.
Attualmente vive ad Amburgo, da dove viaggia per il mondo con la sua macchina fotografica. Ulteriori informazioni:www.tamina-florentine.com
Agatha Kosobucki e Maxim Gregorek hanno progettato una scultura nell'ambito di un progetto presso l'HfbK di Amburgo. La scultura ha una forma quadrata alla quale sono attaccati i materiali restituiti da Zajadacz. Il cubo di vetro trasparente dà l'impressione che le parti restituite fluttuino nell'aria. La scritta "You belong" implica un'interrelazione tra i materiali restituiti e le persone che sono state in contatto con essi nel contesto del loro lavoro. La persona diventa così parte dell'opera d'arte. Seguendo questa metafora, anche noi esseri umani abbiamo ricordi o esperienze negative legate a noi, analogamente alle parti restituite. Dobbiamo affrontarli per fare spazio a qualcosa di nuovo e positivo.
- Senza affrontare il nostro passato, non c'è futuroAgatha Kosobucki "Il mio interesse artistico è dedicato alla dissonanza cognitiva nelle strutture e nelle istituzioni sociali. Le domande sul modo in cui viviamo insieme fanno parte della mia ricerca e influenzano la scelta dei materiali che utilizzo, che confluiscono principalmente nelle installazioni. Grazie alla mia precedente formazione come visual marketing designer, ho sviluppato un interesse per le tecniche multimediali, per cui mi sono specializzata nel campo dei "time-related media" presso l'HFBK di Amburgo, dove ho conseguito il Bachelor of Arts.
Parallelamente all'arte, sto studiando per un Master in Educazione per Ciechi e Ipovedenti all'Università di Amburgo e sto lavorando per unire le due discipline".Maxim Gregorek Maxim Gregorek, nato ad Hannover nel 1994, è un artista mixed-media, autore teatrale e studia arte all'Università di Belle Arti di Amburgo. Nel suo lavoro, Maxim Gregorek esplora i temi dell'identità e le domande ad essa collegate: da dove veniamo? Dove vogliamo andare? Al centro di tutto questo c'è l'essere umano, che è allo stesso tempo produttore e consumatore e quindi plasma e rimodella costantemente l'identità. L'individuo è il prodotto della sua storia, l'attore del suo presente e il creatore del suo futuro.
Stephan Hohenthanner ha già presentato le sue opere nei locali di Zajadacz. Oltre alla sua attività di artista visivo, si è specializzato in opere esterne di grandi dimensioni che riflettono il suo amore per i graffiti e l'arte di strada. Nell'ambito della serie "Arte e cultura", ha sviluppato un concetto per migliorare artisticamente l'aspetto funzionale ma monotono della cabina di trasformazione.
Il risultato si basa su una votazione in cui i dipendenti di Zajadacz hanno presentato le specifiche del progetto e hanno quindi potuto partecipare direttamente al processo creativo. Il risultato della votazione è stato "elettricità colorata". Utilizzando pennelli, vernici e bombolette spray, sono state create diverse immagini fotorealistiche che rappresentano un delicato equilibrio tra street art e pittura moderna. Da allora, la cabina di trasformazione risplende dei colori dell'azienda Zajadacz e rappresenta il legame tra la moderna street art e il nucleo funzionale dell'azienda.
Per il pittore Stephan Hohenthanner, l'arte è stata una costante fondamentale della sua vita fin dalla più tenera età. Ha iniziato a disegnare fin da bambino, trascorrendo giornate intere a perfezionare la sua tecnica e diventando presto un pittore affermato. In gioventù si è dedicato intensamente alla street art e alla fine ha deciso di studiare arte alla HAW di Amburgo sotto la guida del professor Christian Hahn.
Per Stephan Hohenthanner, l'arte è sia una ricerca che un costante tentativo di ampliare i propri orizzonti, sia tecnici che personali. L'artista è dotato di un occhio chiaro e penetrante, che utilizza per creare le sue precise e personali costruzioni della realtà.
Il suo lavoro è stato premiato con il 12° Premio Eliseo per la pittura realistica nel 2022. Stephan Hohenthanner vive e lavora ad Amburgo.
per leggere l'intervista a Stephan Hohenthanner. Sul sito web di Stephan Hohenthannersito webè possibile trovare ulteriori informazioni sull'artista e sulle sue opere.
Isabel Roos è un'artista e illustratrice indipendente. Il suo lavoro è fortemente influenzato dalla natura e dalla scienza, con flora e fauna che giocano un ruolo centrale. Nel suo processo creativo esplora un ampio spettro di colori e combina forme astratte e concrete. Utilizza tecniche analogiche e digitali, che combina armoniosamente. Il risultato è un linguaggio visivo la cui simbiosi crea un'immagine complessiva armoniosa e coerente.
Durante la pandemia della corona, a volte non era possibile ascoltare dal vivo e a colori, ma nessuno voleva fare completamente a meno della musica. L'era dei concerti online è stata proclamata con accoglienti serate di concerti davanti allo schermo di casa, tra cui due volte a Zajadacz:
In una serata del 2020, il chitarrista Justin Assiamah-Nicksteit non solo ha suonato contemporaneamente chitarra e batteria, ma ha anche formato il duo Soulmates insieme alla cantante Verena Heinz per due ore. Un soul pop ballabile, una voce accattivante e tanto groove, che è piaciuto molto anche all'altro capo dello schermo.
Jonathan Esperester può essere descritto come un moderno narratore di storie. L'artista freelance berlinese trae ispirazione per il suo lavoro da un archivio fotografico privato alimentato dal materiale raccolto da tre generazioni.
Le sue narrazioni utilizzano i mezzi della pittura classica su varie superfici. Vengono utilizzati il legno, il PVC, la tela o la carta. Le superfici vengono successivamente rielaborate. Tagliando, graffiando o incollando, il giovane artista crea uno stile simile al collage che trasferisce la complessità della modernità nel mezzo senza tempo della pittura.
Sul suo sito web dal design accattivantesito webè possibile scoprire di più sull'artista e sulle sue opere. Cliccare quiper leggere l'intervista a Jonathan.
Clara Lotta Dittmer, nata ad Amburgo nel 1992, ha studiato pittura presso la HAW Hamburg sotto la guida dei professori Christian Hahn e Henning Kles. Ha inoltre trascorso un semestre all'estero presso l'Accademia di Belle Arti di Bologna, in Italia, dove ha vinto il Premio Speciale Arte Laguna all'Arsenale di Venezia nel 2019.
Clara si dedica in particolare alla pittura a olio e affascina con ritratti intimi, vivaci scene di vita quotidiana e sperimentazioni cromatiche. L'artista è anche una violoncellista di talento.
La fusione di entrambe le passioni rappresenta per lei una combinazione ideale di attività artistiche. Sul sito web di Clarasito webè possibile scoprire di più sull'artista e sulle sue opere. Intervista con Clara Lotta Dittmer.
